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现代手工艺名人堂

  • Update:2013-01-22
  • 蔚蓝之海
  • 来源: 新浪博客
1 .亨利·柯尔
  亨利·柯尔,英国设计、设计教育改革家,官员,1851年,世博会的参与者认为教育、培养专业设计师以过渡1851年所表现出来的危机,培养师资以提高中小学艺术教育。亨利的一个重要助手,欧文琼斯的《装饰的语法》,被认为是十九世纪末的装饰圣经,书中有各国装饰图样的分类展示,量少却典型。亨利教育改革后学院培养的学生之一:克里斯托夫德雷塞,是一个博学多才的设计师,被称为第一位工业设计师。作为著名的《设计与生产杂志》的创办者以及1851年伦敦水晶宫博览会的主要筹办者之一,柯尔在世界近代设计史上占据了重要的一席之地。身为政府官员的柯尔,早年曾接受过专业的美术训练,在设计实践领域,他也堪称专家。1849年3月,他创办了《设计与生产杂志》,并将该杂志变成了抨击设计学校的有力武器。在这场与设计学校的论战中,柯尔最终大获全胜。1851年,由于协助维多利亚女王的丈夫阿尔伯特亲王成功地举办了人类历史上的第一次世界博览会,柯尔深得阿尔伯特亲王的器重。1852年初,英国商会决定新设一个名为“实践艺术部”的独立机构,柯尔被任命为其负责人。作为著名的《设计与生产杂志》的创办者以及1851年伦敦水晶宫博览会的主要筹办者之一,柯尔在世界近代设计史上占据了重要的一席之地。身为政府官员的柯尔,早年曾接受过专业的美术训练,在设计实践领域,他也堪称专家。1846年,他用假名参加了艺术协会主办的日用品设计竞赛,结果其设计的一套茶具荣获大奖。受此事的激励,他组建了“萨默利艺术生产公司”,与一帮志同道合的朋友一起设计具有鲜明功能色彩的日用品。1849年3月,他创办了《设计与生产杂志》,并将该杂志变成了抨击设计学校的有力武器。在这场与设计学校的论战中,柯尔最终大获全胜。1851年,由于协助维多利亚女王的丈夫阿尔伯特亲王成功地举办了人类历史上的第一次世界博览会,柯尔深得阿尔伯特亲王的器重。1852年初,英国商会决定新设一个名为“实践艺术部”的独立机构,柯尔被任命为其负责人。这样,柯尔终于可以大刀阔斧地在设计学校全面推行改革,而其改革的首要重点就在于推行规范。柯尔、里德格雷夫在设计教育领域推行标准化的出发点,在于“设计是一种语言”这样一种信念。从简单语法到复杂句式,从基础法则到灵活运用,设计是可以定量传授的。对于这一思想,里德格雷夫的阐述是:“通过这种形式,绘图便成为了可精确描述的语言、世界通用的阐述媒介,无论对于艺术家还是其他专业人士,都可能成为一种衡量事实、探索真理的方式。”
 
2 .约翰·拉斯金
约翰·拉斯金 (1819年2月8日-1900年1月20日)英国作家、艺术家、艺术评论家。1843年,他因现代画家一书而成名,这以及其后的写作总计39卷,使他成为维多利亚时代艺术趣味的代言人。他是拉斐尔前派的一员,本身亦为天才而多产的艺术家。拉斯金生于伦敦,入读牛津大学前,他由私人教师指导。牛津求学期间,曾获诗歌奖。正是在牛津,他结识了特纳。他亦曾与艺术家罗塞蒂(Dante Rossetti)、米莱斯、Holman、亨特(Hunt)、John Brett共事。拉斯金的写作和哲学对艺术与手工艺运动有深远的影响,亦启发创设国家信托基金(National Trust)与古建筑保护协会(Society for Protection of Ancient Buildings)。 拉斯金最初任教于伦敦的工人学院(Working Men's College),后以史莱德艺术教授(Slade Professor of Art)的名衔任教于牛津大学。牛津大学的拉斯金学院即得名于他。拉斯金的个人生活并不幸福。1848年,他娶Effie Gray为妻,日后,他的婚姻被毁,太太转而嫁给了他的朋友米莱斯(Millais)。1870年代起,他逐渐失去理智。1878年,Whistler告他诽谤,他输了官司,声名大损。其父去世后,拉斯金声明社会主义者与富裕不可得兼,将所得遗产分赠各家教育机构,包括在Paddington的George's Guild、在切尔西(Chelsea)的Whitelands College与在Camberwell的约翰拉斯金学校。
3.威廉·莫里斯
威廉·莫里斯(William Morris,1834—1896),英国拉斐尔前派画家,手工艺艺术家,设计师。莫里斯虽是画家,却主要是致力于工艺美术,用伯恩·琼斯的画稿,作漂亮的绒毯,从事绘画玻璃、陶器、家具、书籍装帧等各方面的工作。在从事这些工作以外,不能忘记的,是他参加拉斯金为中心的“美的社会主义运动”。威廉·莫里斯,这位曾决心献身于追随上帝的工作却终以艺术与设计作为毕生事业的英国人,于1896 年逝世,享年62岁。由于当初他的这一选择,这个世界少了一位也许不为人知的神职人员,却多了一位永远为后人所景仰的现代设计的伟大的先行者。威廉·莫里斯作为英国工艺美术运动的奠基人。是真正实现约翰拉斯金思想的一个重要设计先驱。是拉菲尔前派的主要成员。因为他的探索的重点恰恰否定现代设计赖以依存的中心——工业化和机械化生产。他的目的是复兴旧时代风格,特别是以中世纪、哥特风格,他一方面否定机械化、工业化风格,另一方面否定装饰过度的维多利亚风格。他认为只有哥特式、中世纪的建筑,家具、用品,书籍、地毯等的设计才是“诚实”的设计。其他的设计风格如果不是丑陋的,也是矫揉造作的。而应该否定,推翻。只有复兴哥特风格和中世纪的行会精神才能挽救设计,保持民族的、民俗的、高品位的设计。对于他来说,无论是古典风格还是现代风格,都不足取,唯一可以依赖的就是中世纪的、哥特的、自然主义这三个来源。他强调实用性和美观性的结合,但是如何达到这个目的,对于他来说,依然是采用手工艺的方式,采用简单的哥特式和自然主义的装饰,因而,他的这个局限使他不可能成为真正现代设计的奠基人。“红屋”的取得了很大成功,不仅仅是采用功能需求为首要考虑,部分吸取英国中世纪、特别是哥特风格细节来设计住宅建筑,从而摆脱了维多利亚时期繁琐的建筑特点,同时还在于莫里斯从统一的方案出发,设计了整个建筑的室内、家具等等。“红屋”的建成引起设计界广泛的兴趣与称颂,使莫里斯感到社会上对于好的设计、为大众的设计的广泛需求,他希望能够为大众提供设计服务,为社会提供真正的好的设计,改变设计中流行的矫揉造作方式,反对维多利亚风格的垄断,也抵御来势汹汹的工业化风格。1883年莫里斯加入“社会主义者民主同盟”,但1885年即退出该组织,并自组“社会主义者联盟”,后又由于不同意该组织的政策,而组织“汉默史密斯社会主义者协会”。由于幻想再度破灭,1889年后莫里斯将大部分精力投入到写作和柯姆史考特出版社的工作中。他的其他作品还有:《捍卫桂尼维尔及其它》(1858年);《世俗的天堂》(1868-70年);《约翰·波尔之梦》(1888年);《世外森林》(1894年)。
 
4.麦金托什
麦金托什是世纪之交英国最重要的建筑设计帅和产品计师。他发掘他称之为“旧的精神”而设计出具有新风格的独特的建筑、室内和产品,麦金托什的风格不是突然产生的,他是英国设计运动和欧洲大陆设计运动的发展成果之一。他是工艺美术时期与现代主义时期的一个重要的环节式的人物,在设计史上具有承上启下的作用和意义他设计的格拉斯哥艺术学院,是他的设计风格特征的集中体现,其中包括了新艺术运动的风格,也包含了现代主义特点,同时更具有他自己的特征,是20世纪设计的经典之作。他是新艺术运动产生的全面设计师的典型代表。他的平面设计具有鲜明的特征,特别是他的几何形态和有机形态的混合采用,简单而具有高度装饰味道的特征。他的设计风格很大程度是受到日本的浮世绘的影响。麦金托什早期的建筑设计一方面依然受到传统的英国建筑影响,另—方面则具有追求简单纵横直线的形式的倾向。他的室内设计非常杰出他基本采用直线和简单的几何造型,同时采用白色和黑色为基本色彩,细节稍许采用自然图案。因此达到既有整体感,又有典雅的细节装饰的目的。他的著名设计有希尔家族住宅杨柳茶室等。设计的家具,特别是他出名的高背椅子,完全是黑色的高背造型,非常夸张,是格拉斯哥四人风格的集中体现。
5.安东尼奥·高迪
安东尼奥·高迪(Antonio Gaudi Cornet,1852-1926),西班牙建筑师,塑性建筑流派的代表人物,属于新艺术建筑风格。 安东尼奥排行第五,也是老小。应当说,安东尼奥生逢其时——就在他出生前不久,国王刚签署了全面改建巴塞罗那的诏令。工商界的富豪们纷纷斥巨资投入巴塞罗那的改建工程。他们在营造新的建筑时都喜欢别出心裁,争奇斗妍。那时,建筑师的职业十分吃香,人们趋之若鹜。正如多年之后很多男孩子都渴望成为宇航员一样,那时的男孩都想快些长大,造出奇妙的建筑来,以便扬名天下。安东尼奥也渴望成为建筑师,但如何建造,他的想法与众不同。他不想挖空心思地去“发明”什么,他只想仿效大自然,像大自然那样去建筑点什么。年轻的他在日记中这样写道:“只有疯子才会试图去描绘世界上不存在的东西!”他的整个身心都充满了对大自然的爱,而且可以说,还是疾病帮助他培育起了这份情愫。还在很小的时候他就患有风湿病。他不能和其他小朋友一起玩耍,只能一人独处,他惟一能做的事就是“静观”。哪怕一只蜗牛出现在他的眼前,他也能静静地观察它一整天的时间。高迪曾就学于巴塞罗那省立建筑学校,毕业后初期作品近似华丽的维多利亚式,后采用历史风格,属哥特复兴的主流。高迪最早接受的主要委托项目是完成巴塞罗那的神圣家族教堂(也称圣家族教堂,1883—目前仍在建设中),这是一座极有个性和感染力的建筑物(高迪去世时仅完成一个耳堂和四个塔楼之一),米拉公寓,巴特罗公寓(又称巴特罗之家),吉埃尔礼拜堂和古埃尔公园。毕业于巴塞罗那建筑学校,不善交际,终生未娶, 除了工作,高迪没有任何别的爱好和需求。在生活上他真显得有点傻气、疯癫。他常年留着大胡子,成天是一副阴沉沉、让人捉摸不透的表情。除了古埃尔,他没有别的朋友。他只说加泰罗尼亚语,对工人有什么交代就得通过翻译。他只带了两个学生在身边,多一个他都嫌烦。他似乎觉得,只要与这两个学生交往,就能保持他与整个世界的平衡了。他吃得比工人还简单、随便,有时干脆就忘了吃饭,他的学生只得塞几片面包给他充饥。他的穿着更是随便,往往三年五年天天穿同一套衣服,衬衫是又脏又破。看着他那副穷酸样子,还真有人拿他当乞丐施舍。
6.雷乃·拉利克
雷乃.拉利克(1860.4.6——1945.5.5)出生于法国。在其16 岁时在著名的巴黎珠宝商——路易.奥科特手下做学徒。开始接触珠宝设计。1878——1880就读于英国伦敦西德汉姆艺术学院。早期从事首饰设计,在珠宝界闯出名堂后于1890年对玻璃艺术品产生浓烈兴趣,开设第一间玻璃试验和生产工作室开始从事长达50年的玻璃设计。拉利克是一位顶尖的珠宝与玻璃艺术家,首饰设计:对大自然观察入微的拉利克,首次把动物.植物和女性形象等一切源自于大自然的灵感,注入他的珠宝设计中。设计搭配为半宝石和意想不到的角、象牙、珍珠、珊瑚、珐琅,甚至是塑胶和玻璃。玻璃工艺:使艺术融入日常生活,作品多为几何的设计、平滑流动的线条、充满活力的颜色。 装饰艺术运动时期的首饰、玻璃设计师。拉里克的早期作品反映出新艺术风格的影响, 20年代起,装饰艺术风格成为他设计的主旋律。他的设计被称为“没有时间限制的风格”,富于想象,设计动机来源于东方艺术、古典风格和现代艺术的某些因素。拉利克的设计成就主要体现在珠宝方面。他的作品是娇柔豪华的法国新艺术风格的最好见证。女人体是拉里克设计中爱用的另一个主题。珠宝上的女人体刻划细腻,栩栩如生。如1895年他向法国艺术家沙龙送交的展品中,有一件特别迷人的蜻蜓珠宝。拉里克在这件异乎寻常的胸针中加入了一个全裸女人体作为装饰。这是第一件采用女裸体装饰的新艺术珠宝,很快成为欧洲其他国家设计师模仿的对象。拉利克的创作才华对19世纪珠宝界带来巨大影响。他开创了珠宝的"博物"风格,这其中大量融入了欧洲和亚洲手工艺者的风。使艺术融入了生活,即改变了人们的生活方式,也改善了人们的生活质量。对后世具有很大影响。
7.戴尔·切胡利
戴尔在1941年出生于华盛顿塔科马,1967年切胡利使用霓虹光管、氩气和吹玻璃的形式,有机、独立、像植物般的意向来创造空间的大小。1971年担任了第一次艺术总监,直到1989年。1976年失去左眼视力后放弃了玻璃吹制工领班的职位,并将职位移交威廉.莫里斯。利用莫里斯大量的人才和体力,切胡利开发规模大,形式色彩多样的“发现”系列。在20世纪80年代初,切胡利和莫里斯开展了广泛的“海洋生物”系列。1990年,切胡利把他的注意力转向大型建筑玻璃艺术设施。1995-1996年为期两年的3维建筑玻璃艺术项目“切胡利超过威尼斯”,取得了国际上的好评。1999年在塔国宝博物馆参展,超过百万游客参观。在2001-2002年冬季奥运会和残奥会期间,在盐湖艺术中心做了展示:一个花园的玻璃在芝加哥的加菲尔德公园温室。2003年切胡利和米尔在塔科马艺术博物馆做的展示。2004年在亚特兰大花园,2005在英国皇家植物园,2006年在科勒盖布尔斯,佛罗里达州,密苏里植物园,圣路易斯,新的纽约植物园都做了展示。2007年在匹兹堡的植物园和菲普斯温室做了展示。色彩鲜艳明丽,造型独特,富有意向。切胡利的工作的过程就是他自传的过程。灵感取自大自然,装置多为平滑的流线型,装置于环境相结合。他的作品,由150多个主要博物馆收藏戴尔胡是现在人们普遍认识作为世界首屈一指的玻璃艺术家和,包括北海道的现代艺术博物馆,大都会艺术博物馆,纽约现代艺术博物馆,罗浮宫,维多利亚和艾伯特博物馆和惠特尼博物馆。戴尔胡是世界首屈一指的玻璃艺术家。他打破了玻璃艺术原有的限定,把工作室玻璃工艺变成了公共事业,预示着美国玻璃艺术高峰的来临。他的成就影响了当代艺术的普遍问题。他的实践,导致了复合体的发展、多重雕塑的戏剧美。
8. 海尔斯·巴克尔
海尔斯.巴克尔,于1942出生在荷兰阿姆斯特丹。研习工业设计和珠宝设计。他不喜欢工艺但他却是一个工匠。巴尔克的设计广泛,包括珠宝,家居配件及家用电器,家具,室内,公共空间和展览,获得了很多奖项,是一个“反工艺”的工匠。从60年代中期起,巴克尔和妻子艾美.凡.里尔萨姆一同设计实验性于开创性极高的饰品,挑战着人们对于“珠宝”两字的定义,一直到1984年艾美去世。在70年代和80年代巴尔克设计“个人资料珠宝”。1993年巴尔克和女性设计论者日奈. 冉马克思共同创立了DoogDesign设计团体。Doog Design近似于一个基金会组织,所以相较于一般企业达品牌知名度的目的,他们更显得有“先做个试验来看看再说”的味道。Doog Design里商业机制和销售不会和品牌操作一样成为宗旨,而是让买卖也可以是设计籍着创意思考所达成过程中的一环。此外,巴克尔不同的学校教授超过40年,除其他外还包括代尔夫特技术大学。子1987年以来,一直任教于埃因霍温设计学院达15年以上。1989年发现孔使物体外观和感觉起来更加明亮。这个发现导致了1992年窥视墙纸的出现。1996年又回复了曾经从事珠宝设计的根基,创立chi ha paura珠宝设计团体,向世界重要的设计师们邀件。巴尔克同样是创新,他选择不寻常的材料和技术,使用铝,塑料,木材,花卉,金箔和结合,例如,聚氯乙烯叠层的照片,与宝石和贵重金属。他很少设计了一种单件珠宝。他刻意制造一个框架,他在其中的挑战其他的设计师和艺术家的产生新思想,新观点,材料和技术。他的大部分工作是基于一个主题,如庞大的颈部珠宝组成的复合材料层合的照片。巴尔克设计作品随心所欲,并不注重顾客的要求。Doog Design是多纳格设计创始人之一,他的突破来自于摆动,巴尔克的几何抽象珠宝成为一个绝对的时尚“必须”。他一直是在国际艺术圈知名的先驱珠宝设计家。Doog Design与chi ha paura的成立。与其说是设计师,其实它有着更强烈的创见者和创意发掘者的特质。巴尔克作为一名教师,他的影响是巨大的。他的贡献,往往是动荡不定的辩论中。他把他的思想,传播到了全世界。将首饰狭义的佩戴扩展到了广义的穿戴。重新定义了首饰的内涵。
9.勒诺尔·陶尼
勒诺尔.陶尼1907出生在美国俄亥俄州。在她20多岁时为了校对员的工作迁往芝加哥,同时参加在芝加哥的艺术学院的夜校。1941年与乔治.陶尼结婚。在1943-1945年,她进入伊利诺州的大学,是前卫艺术家拉兹洛莫霍伊.纳吉、立体派雕刻艺术家亚历山大.尔启本珂、抽象派画家爱默生和玛丽.艾玛的学生。玛塔.泰帕莱,著名的纤维艺术家,对其影响也很大。1949-1951在巴黎生活。1975年,在她结束海外旅行之后移居纽约,开始她的艺术道路。是美国著名的纤维艺术家。1946年参加芝加哥学会设计,她和玛塔. 泰帕莱参观了在北卡罗莱纳州潘兰德学校的工艺品挂毯车间,返回芝加哥之后,工作稳步推进。1955年开始了她在“针织表格”的初期工作。陶尼的首次的独奏展览于1961年在史泰登岛博物馆举行。1962年她操控纤维到雕塑的形式中去,在那个时代,是一个革命性的概念。1963年纤维形式在纽约当代工艺品博物馆展出,1964年她开始了一系列的印度水画,1966-20世纪80年代末完成盾牌系列。在60 年代陶尼开始了一系列的个人拼贴、组合。进入90年代后期后,演变成三维组合的实际线程暂停在树脂玻璃或木箱内。1989年她成立了兰诺.基.陶尼基金会,以支持新兴的艺术家。她勇于建设,她的工作就是争议,她用她奇异的眼光证明艺术和工艺分不开的。她的作品打破了工艺装饰的传统方法和工具的限制。她的艺术始终是沟通。她的许多作品印刷成了不同的语言,她将纤维艺术带到了雕塑中去,将纤维艺术转换沉了一种新的视觉传达方式,给与纤维新的定义。勒诺尔.陶尼在把梭织雕刻当作艺术媒体的发展上具有深远影响,她是艺术革命的催化者。
10.玛格达伦娜·阿巴卡诺维奇
玛格达莲娜.阿巴卡诺维奇(Magdalena Abakanowicz)现代纤维艺术的重要革新者与奠基人。出生于波兰世袭贵族家庭,毕业于华沙艺术学院雕塑专业。1962年在瑞士创办的“洛桑双年展”上脱颖而出,从此活跃在纤维艺术界。她的作品被认为是一种新形态,其作品尺寸巨大,材质突破了羊毛,而大量使用麻,棕榈等。玛格达莲娜.阿巴卡诺维奇的“阿巴康”系列作品要悬吊在空间中间,纤维从这时期被称作软雕塑。之后,其作品也开始走向户外。从70年代起格达莲娜.阿巴卡诺维奇开始改变过去的认识,其作品越来越雕塑化,虽然然用麻、棉编织人像,但其手法已不是完全用编织了。生活在欧洲中心的阿巴卡诺维奇在70 年代, 阿巴卡诺维奇根据生命所呈现的若隐若现的变化,创作了作品《改变》。她用黄麻和树脂铸造人头, 卵形, 坐着的人物, 或者与真人等大的无头的正面形象。用绳子勾勒出表面神经系统的不完整的轮廓,使植物的命具体化。阿巴卡诺维奇的另一处大型群雕是座落在巴黎皇家花园的36 个无脸的铜人(《铜人群》,1991) , 它们比真人稍大, 是从作品《变动》直接发展而来的。还有用黄麻编织的讲述无敌造物主的故事, 它们是英勇的, 好战的, 忍受着同一种脊椎的裂开。
11. 彼得·沃库斯
彼得 沃库斯,1924年出生,先祖为希腊移民,早年在铁器厂做过学徒,二战中服役二年多,后受政府资助在蒙大拿州立大学学习绘画。在校最后一年兴趣转为陶艺。50年代英国陶艺家伯纳德.里奇在蒙大拿会见了沃克思,使之对抽象表现主义产生了兴趣。1954年到洛杉矶县美术学院(后改名为奥蒂斯美术学院)主持陶艺教学。至60年代初,在其一手推动下,进行了为人称道的“奥蒂斯革命”,他将陶艺从工艺美术范畴推进到现代美术的范畴,开创了抽象表现主义陶艺的创作风范,其探索精神及美学标准影响到了整个陶艺界。其作品主要分为粗重的陶盘和堆叠陶塑,其风格具有随意性,却耐人寻味,是现代陶艺的先驱人物。他一方面十分赞赏日本民间粗陶和东方文化观念,一方面又反对和蔑视陶器的实用功能。1954年沃库斯在美国洛杉奥迪斯艺术学院设立了陶瓷系,5年后,这位现代陶艺的先驱被校方解雇了。后受聘于加州大学柏克莱分院重新组建了陶艺系,开创了另一番事业。在彼得·沃克斯的全新的观念、教育思想的指导下,开创了现代陶艺教学之先河。沃库斯最大的影响是在加州大学伯克利分校,在那里他从教1959年至1989年.沃克思受当时的抽象表现主义和行为画派的影响,尝试并实践一种完全抛弃传统形式的制陶方式和审美,以放任、偶发、自由的形式充分体现粘土的率性表现及展示艺术家情感观念的新风格。他主张抽象表现主义的创作观念,反对传统陶瓷中的幼稚和匠气,强调创作过程中的内心冲动和自由即兴发挥的重要性,主张不规则、不对称,甚至瑕疪,开裂等因素都是可以接受的美学观。他以这种全新的创作方式和作品风格融合李基和滨田庄司的哲学主张和审美及行为派画家的表现方式,他的这种风格被史学界划为抽象表现主义。他是美国陶艺运动之父。在他的全新观念和思想的引导下,在他周围聚结了一批多才多艺的同仁和学生,像保罗·苏特纳,约翰·梅森,史蒂芬·德思坦勒等。这些人后来均成为支撑美国当代陶艺的栋梁。沃库斯极力将”空则为器”的传统陶瓷,推进到当时流行的抽象表现主义的现代美术范畴中。这种感性的冲动的创作方法席卷了整个美国陶艺界,并受到美国艺术评论界的极力褒扬,其后也影响到了中国现代陶陶艺的单一发展。所不同的是,这一抽象表现主义的风泛没有将美国的陶艺引入单一的境地。由于彼得·沃克斯在奥蒂斯美术学院启动的新的探索精神在整个美洲现代陶艺创作中产生了具大的影响,其自由、开放的陶艺观由此深入人心。被美国艺术评论界及史学界普遍认同和接受并以1954年沃克斯启动的“奥蒂斯革命”为标志作为美国当代陶艺的起始年。
12.伯纳德·里奇
伯纳德.里奇(1897——1979),出生在香港,接触到了一群热爱日本艺术并称之为白桦的日本人,从他们那里里奇了解了威廉.莫里斯和艺术与手工艺运动,开始在西格凯奇.由然诺的指导下制作陶器。援助智雄.哈马达的年轻陶艺家。20世纪30年代里奇遇到了马克.托比,1934年,他托比和里奇一起游历了法国和意大利,然后从那不勒斯航行到香港和上海,后两人分开,里奇返回日本。1956年与珍妮丹尼尔结婚。伯纳德利奇被视为是20世纪工作室陶艺运动创始人之一。从1909年-1920年,里奇花了十一年在日本。回到英格兰后,1920年和滨田正治在圣.艾夫斯成立了里奇陶艺。包括建造了传统的日式干燥窑。他们把焦点集中在传统的韩式、日式、中式的陶器上,并结合英国和德国的传统技术。1940年出版《一个陶工的书》,定义了里奇的技巧哲学和经营技术。 1940年里奇正式加入Bahá'í Faith。在结束这次朝圣之旅后,1954年他强烈意识到他应该做更多的东西方艺术的联合。20世纪50年代到60年代他的风格在逆向文化和现代设计在北美有很大影响力。到1972年,里奇继续陶瓷创作并从未停止过对旅游的热情。1977年在伦敦的维多利亚和艾伯特博物馆拿他的艺术作品作为主要展览。将东西方艺术和哲学相结合来变现抽象主义。使用肢体语言,提倡团队的整体性和责任感,寻求艺术“活力”。设计充满张力。许多世界各地的陶工在里奇陶艺室做学徒,将他的风格和信仰带到了世界各地,培养了一批陶艺设计家。作为西方陶瓷的改革者,他的著作和许多成功的陶工已为他赢得了声誉。20世纪艺术的发展,里奇为英国及世界各地创造一种陶艺工作家的身份起到了重要至关重要的先锋作用。
13.胡安·米罗
西班牙画家、雕塑家、陶艺家、版画家,超现实主义的代表人物。米罗1893年出生于西班牙的巴塞罗那,父亲是一位金匠和珠宝商。他的艺术代表了超现实主义的另一种风格,其超现实主义作品主题来源于记忆和梦境,即有机的超现实主义。带有怪异和幽默的特征,包括扭曲的形体和古怪的几何结构。他企图要毁灭理性和逻辑的主宰,把无意识和非逻辑心灵的冲力从中解放出来,且探测不可见领域和视觉世界的奥秘。米罗后来把形体和结构抽象为点、线和爆发的色彩。米罗的作品是令人愉快的,其画面洋溢着自由天真的气息,往往人见人爱。
米罗艺术的卓越之处,并不在于他的肖像画或绘画结构,而是他的作品有幻想的幽默——这是其中一个要素。另一个卓越之处就是,米罗的空想世界非常生动。他的有机物和野兽,甚至他那无生命的物体,都有一种热情的活力,使我们觉得比我们日常所见更为真实。米罗是非常多产的,画风始终如一而又多样变化。以至想要一般性地追述一下都十分困难。早期作品受塞尚、梵高和毕加索及野兽派画家的影响,作品或带有极为精雅的色彩和线条的运动,或具有立体主义的作风。在1920年代中期,他在他的新天地中,探索了非常困难的一些方面,从《哈里昆的狂欢》的复杂性,到《犬吠月》和《人投鸟一石子》这类作品非常有魅力的单纯性。1928年他访问了荷兰,受到荷兰少有的几个大师的影响。他制作了一系列的绘画,题名为荷兰的室内,那是从真实到幻想变形的实例。
14.杰夫·昆斯
杰夫·昆斯1955年生于宾夕法尼亚州约克郡,7岁开始学习艺术课程;昆斯9岁时,父亲将其临摹的华多的作品挂在自己的家具店里展售。1976年,昆斯毕业于马里兰艺术学院,其间曾于芝加哥艺术学院学习1年。昆斯对艺术的看法昆斯,这位升起于上世纪80年代中期的艺术之星,在争议中给人们带来新的视觉体验。作为艺术家,他是真诚的,他的作品是真诚的,他追求完美,尽管有时显得过分。布朗德说:“杰夫·昆斯从不让一件作品轻易离开,直到他认为完美。”由于昆斯作品尺寸巨大和订件之多,他根本无法按时一个人完成。其工作室日常至少要有30多个助手,仅以调色来说,核审颜色的人是位哥伦比亚人,他眼神专注,色感极强,再细微的差异也能“锁住”不放,每种颜色不经过七八次地调整,很难在他那里通过。有一个昆斯关注细节的极端例子,他花钱为两年前已出售给布朗德并在不同的主要博物馆展出的充气狗,重画不同的蓝色阴影。昆斯成长于商品社会高速发展的美国,60年代蓬勃的波普艺术对他影响深刻。在其80年代早期的作品中,昆斯便借用杜尚的挪用和拿来主义,如玻璃罩中的吸尘器、水族箱中漂浮的篮球,把人们日常生活的物件丝毫无损地变成艺术品,表现光怪陆离的现代商品社会。在此类作品中,昆斯改变了商品本来的存在形式,一种实际不存在的状态,从而将人们置身于一种对话之中;通过艺术,使人们进入另一社会阶层。昆斯高举与大众交流的大旗,敢于向当时流行的新表现主义叫板,其怪异的作品在使观众好奇的同时,也迎合了中产阶级的趣味及其日常平庸的审美格调。1985年,昆斯举办的《平衡》系列作品展引起巨大轰动,昆斯也因此而出名。纵观昆斯的一系列作品展,可以说,他是一个善于制造事件者。惊世骇俗,似乎成为当代艺术的代名词,《奢华与落魄》、《陈腐》、《天堂制造》、《庆典》、《乐逍遥》等达到了高潮。每一系列的作品,代表了昆斯不同时期的思考和不同的境遇,没有与伊洛娜·施塔勒的认识与结合,就不会有《天堂制造》的创作;没有昆斯和伊洛娜·施塔勒德的离婚及其带走儿子,为唤回儿子和对童年的追忆,便不会有《庆典》的出现。昆斯生活在一个拜金主义的美元社会,由于其作品规模巨大,他对作品的完美主义追求,一个庞大的工作室的正常运作,使他与商业合作成为必然的选择——“如果,所有的雕塑和油画都得我亲自动手的话,一年我大概也只能完成一件作品甚至更少。”所以,在昆斯的周围聚集了一群帮助他的“贵人”,像索拿本德、迪奇、葛高森、慕钦、布兰特,还有希腊建筑业巨头乔诺、洛杉矶地产商艾利·布洛德、著名的克利斯蒂拍卖行老板皮诺尔特等。昆斯说:“我一直只想做个艺术家,我对市场的兴趣不过出于政治原因罢了——以此获得一个论坛与人们交流沟通。”在昆斯看来,市场的价格只是自己的展览是否成功的标准罢了。
15.勒·柯布西耶
勒·柯布西耶(1887—1965),1887年10月6日,出生于瑞士一个钟表制造家庭。在西方世界享有“建筑天才”之美誉,是现代主义建筑流派德创始人之一,法国著名建筑大师,是世界公认的现代艺术权威。他主张:建筑文化应当在新的社会形态下,进行新的组合,产生新的体系!二十年代,他与现代主义建筑第一代大师W.格罗皮乌斯和L.密斯。范。德罗共同创立了旨在改革,向旧建筑宣战的现代主义建筑流派。在西方建筑界,共领风骚。 勒·柯布西耶是现代主义建筑的主要倡导者。1923年,出版了他的名著《走向新建筑》。书中提到了著名的“住宅是居住的机器”观点。他的革新思想和独特见解是对学院派建筑思想的有力冲击,朗香教堂是勒。勒.柯布西耶的代表作,二战以后的重要作品。它不仅代表了勒·柯布西耶的建筑风格已由早期的追求基本几何形体的端正规范向复杂的奔放的自由雕塑形体的转变,而且代表勒。柯布西耶由追求光洁平整的艺术效果向粗糙苍老、回归自然的转变。 柯布西耶本人是非常矛盾的,他的观念和它的实践中存在大量的知识分子理性主义的成分,甚至是空想主义的,乌托邦式的,但他在现代主义设计运动刚刚萌芽时提出的这些重要见解,对于推动运动的整体发展,的确起到了非常重要的作用。
16朱迪·芝加哥
朱迪·芝加哥被视为上世纪70年代美国女性主义的象征,她也是继米丽安之后采用许多女性化的艺术元素创作的艺术家。“假如女性统治世界”是一场艺术行动,源自于朱迪·芝加哥的创意。这个有点上了年纪的犹太女人,以西方社会“女权主义”和“性解放”运动代表人物的姿态在艺术界小有名气。她的“事迹”除了把自己的父姓改成出生地“芝加哥”以外,还创作了最著名的装置艺术作品《晚宴》朱迪·芝加哥   1939年,朱迪出生于芝加哥一个犹太家庭。后来,她到加州大学学习绘画,在那里,她遇见了第一任丈夫Jerry Gerowitz。1961年,两人结婚。整个60年代,朱迪都在母校加州大学潜心钻研女性艺术,重心逐渐由绘画转向雕塑。同时,她也尽力在当时男性占据统治地位的波普艺术中闯出一条路。 1965年,她和雕塑家Lloyd Hamrol结婚。这段婚姻维持了14年的时间。 7年后,她第三次跨进婚姻的殿堂,至今和做摄影师的丈夫唐纳·伍得曼住在新墨西哥一个叫Belen的荒凉小镇上。 1971年,朱迪结识了比她大11岁的女艺术家米丽安·夏皮洛。两人一起花了一个月的时间,把一座废弃的房子改建成了一个女性乌托邦,这就是著名的“女性之屋”。这是一个完全属于女性自己的空间,使用女性日常生活中熟悉的洗、烤、煮、缝、熨、扫等方式,在卧室、厨房、餐厅、盥洗室、过道、花园做满了作品,这些作品涉及了女性的身体、生理、婚姻、家庭、社会角色、生活状况等许多问题。朱迪·芝加哥被视为70年代美国女性主义的象征. 朱迪·芝加哥最有代表性的装置作品《晚宴》完整而成熟地体现了她的女性主义艺术观念,展示女性成就不断被历史抹拭的事实。  
17.查尔斯·阿什比
阿什比的命运是整个工艺美术运动命运的一个缩影。他是一位有天分和创造性的银匠,主要设计金属器皿。这些器皿一般用榔头锻打成形,并饰以宝石,能反映出手工艺金属制品的共同特点。在他的设计中,采用了各种纤细、起伏的线条,被认为是新艺术的先声。阿什比的“手工艺行会”最早被设在伦敦东区,在闹市还有零售部。1902年他为了解决“良心危机”问题,决意将行会迁至农村以逃避现代工业城市的喧嚣,并按中世纪模式建立了一个社区,在那里不仅生产珠宝、金属器皿等手工艺品,而且完全实现了莫里斯早期所描绘的理想化社会生活方式。正如阿什比所说:“当一群人学会在工场中共同工作、互相尊重、互相切磋、了解彼此的不足,他们的合作就会是创造性的。”这场试验比其他设计行会在追求中世纪精神方面都要激进,影响很大。但阿什比却忽略了这样一个事实,即中世纪所有关键性的创造和发展均发生于城市。由于行会远离城市也就切断了它与市场的联系,并且手工艺也难于与大工业竞争,这次试验终于在1908年以失败而告终。阿什比自己开始认识到,工业毕竟是有长处的,并抨击他称之为拉斯金、莫里斯的“理智的卢德主义”的思想(19世纪初,卢德主义主张用捣毁机器的方式来反抗工业化,并形成了自发性的工人运动)。1915年,阿什比对手工艺感到失望,到开罗大学当了一名英语讲师。在谈到设计行会的作用时,莫里斯曾说:“不可能指望在样本目录上印上名单就能提高工匠的社会地位,或者哪怕在最低程度上改变资本主义商业体制。”在能否通过设计的力量来改变社会方面,莫里斯并不像同事们那样乐观。实际上,工艺美术运动不久就变得商业化,并转向更多地注重于美学的方面。英国的工艺美术运动随着展览与杂志的介绍,很快传到海外,并首先在美国得到反响。因此,美国的工艺美术运动在时间上大体与英国平行。尽管美国长期受法国学院派的影响,但仍有许多重要的英派设计师。一些工艺美术运动的著名人物如阿什比等先后访问过美国,有的还为美国进行了设计,他们向美国设计师传播了拉斯金和莫里斯的思想。在英国的影响下,美国在19世纪末成立了许多工艺美术协会,如1897年成立的波士顿工艺美术协会等。美国工艺美术运动的杰出代表是斯蒂克利。斯蒂克利受到沃赛作品的启发,于1898年立了以自己姓氏命名的公司,并着手设计制作家具,还出版了较有影响的杂志《手工艺人》。他的设计基于英国工艺美术运动的风格,但采用了有力的直线,使家具更为简朴实用,是美国实用主义与英国设计运动思想结合的产物。
18.柳宗悦
1889年,胜子柳出生于一个母亲和威洛奥克乐的第三个儿子在主城武士数30东京市麻布区。父亲死在他的童年,成长起来的豪华大遗产由他的父亲,左进入学习院小学。中等科に進む頃に、後に共に雑誌『白樺』を創刊する志賀直哉や武者小路実篤らと知り合い、生涯の友となる。前往各地的中学部,该杂志与他们会晤后的[武者小路实笃志贺桦木』直也和第一个问题是终身的朋友。更に学習院高等学科では、鈴木大拙や西田幾多郎に学び、1910(明治43)年、無事高等学科を卒業後、東京帝国大学文科に進む。学习院部的高级此外,西田喜多郎的铃木和研究,1910(1910)高安全年毕业后,前往东京帝国大学文科。また『白樺』はこの年に創刊され東京帝国大学で哲学を専攻した柳は、当初、宗教に深い関心を示していたが、ウィリアム?ブレークに興味を持ったのをきっかけに、宗教と芸術の関係に関心を持つようになる。于主修哲学在东京帝国大学,首先表现出浓厚的兴趣在宗教,就在威廉布莱克的兴趣后,将有一个在宗教和艺术之间关系的兴趣。1913(大正3)年、東京帝国大学卒業後、声楽家の中島兼子と結婚し、千葉県我孫子へと転居する。1913年后,从东京帝国大学毕业年,他娶了歌手中岛金子,我孙子,千叶县,迁入。その後、我孫子へは志賀やバーナード?リーチも転居し、白樺同人もしばしば訪れたために、さながら芸術家コロニーのようであったという。后来,他们还提出哈希我孙子滋贺和伯纳德利奇,经常访问桦木小圈子,仅仅像一个艺术家的殖民地似乎。 1919年,真理与宗教刊物,在东洋大学教授在4月。朝鮮の美術に関心を持っていた柳はこの頃盛んであった朝鮮の独立運動に関して日本の朝鮮政策批判の文章を書いている。柳曾在艺术的兴趣和写作的批评韩国对朝鲜独立运动日本的朝鲜政策是非常活跃的这个时候。更にこの後数年にわたり、しばしば朝鮮を訪問し、「朝鮮民族美術館」設立を計画、1924(大正13)年完成にこぎつけた。几年更在此之后,经常访问韩国,“韩国国立博物馆”计划成立,1924年是到达终点。1949年(昭和24)年美写的法门。その後も活発に著述、調査旅行を行うが、この頃からリウマチと心臓の不調に悩まされるようになり、1961(昭和36)年、72歳で没する。客场之旅后,作者还积极做,现在患有风湿病,心脏这个时候,1961年,在72岁死于疾病。
19.野口勇
  日裔美国人野口勇(Isamu Noguchi,1904-1988年)是20世纪最著名的雕塑家之一,也是最早尝试将雕塑和景观设计结合的人。野口勇曾说;“我喜欢想像把园林当作空间的雕塑。”他一生都致力于用雕塑的方法塑造室外的土地。这位多才多艺的日裔美国人一直致力于用雕塑的方法塑造室外的土地。野口勇是艺术家涉足景观设计的先驱者之一,他的作品激励了更多的艺术家投身景观领域。今天,艺术家参与创作的景观作品比比皆是。野口勇是国际上公认的战后最具影响力的雕塑家喝设计师。早在大地艺术产生之前,20世纪初期他已成功地将雕塑概念扩展到风景空间,使基底不再是展示作品的背景,而是作品自身的组成部分。他的家园就是日本景园文化的山水与西方的雕塑相结合的产物,通过简洁的设计元素表现了空间的特性和象征意义。整个作品由精神之泉、森林之路、利马柱、金字塔、水道、沙漠之地、一个独立的墙体和由曲线围绕的小树丛组成,不同的材料、砂石墙、磨光大理石、天然石头、水体;不同形式的几何及非几何的元素交织在一起,创造出一种令人沉思的空间效果。虽然美国有些景园建筑师批评这个广场缺少树荫和可休息的空间,以及尺度过大使人无法使用等。然而,野口勇并不是不知道这些功能上的需求,只不过是更倾向创造一种能激发人们的想象与沉思的不寻常的场所。野口勇1904年出生于美国洛杉矶,母亲是美国作家莉欧妮·吉欧蒙(Leonie Gilmour),父亲是日本诗人野口米次郎Yonejiro Noguchi。1906年,他2岁的时候,随母亲搬到日本与父亲团聚,并在日本渡过他大部份的童年时光。野口勇的作品并不仅限于花园设计或是雕塑品创作,他也曾为现代舞蹈家玛莎·葛兰姆设计过舞台。并有过不少知名的工业设计产品,如灯具和茶几。他的设计产品今日都还被销售着,其中最为知名的是Akari系列的日本和纸灯笼。而经典的创作品则被世界各地的博物馆或艺廊典藏,在纽约市的野口勇博物馆过去曾是他的工作室,目前是他作品的主要收藏和研究中心。此博物馆于2004年举办了野口勇100年特展,开展由剧作家罗伯·威尔森设计了声光效果的剧场,企图让作品有声光等辅助连结,效果不彰、引起了纽约艺术界一阵争议。同一年纽约的惠特尼博物馆也展出他1944年到1948年的拟人雕塑作品。
20查尔斯·路易斯·蒂凡尼
美国康涅狄格州一位磨坊主的儿子查尔斯·路易斯·蒂凡尼于1837年来到纽约百老汇,开设了一家不起眼的小铺子,经营文具和织品,第一天的销售总额是4.89美元。蒂芙尼tiffany的每一件货品都标明“铁价不二”,此举成为当时的重大新闻。后转为经营珠宝首饰。想不到多年之后丑小鸭变成了白天鹅,简陋的小商店几经变迁,最终成了美国首屈一指的高档珠宝商店——蒂芙尼珠宝首饰公司。其实力堪与欧洲的珠宝王朝一争高下,名声超过了当时巴黎的名牌卡地亚。十九世纪末,蒂芙尼的顾客包括了英国维多利亚女王、意大利国王以及丹麦、比利时、希腊和美国众多名声显赫的百万富翁,查尔斯自己则赢得了“钻石之王”的称号。 
查尔斯·路易斯·蒂芙尼确实是一位天才的生意人。当年美国穿越大西洋的电报电缆中有一根电缆因破损需要更换,他得知此消息后便毅然买下了这根电缆。当人们还在以惊异的目光等着看他买下这根电缆的用途之际,他已经在自己的蒂芙尼商店里把电缆截成两英寸长的一小段一小段,作为历史纪念品出售。就这样,他赚了一大笔钱。还有一次,他买下了欧仁妮皇后的鲜黄色钻石,但他并不急于出手,而是从容地在纽约举办了一个展示会,成功的从全球各地蜂拥而至为了一睹这件稀世珍宝风采的参观者身上赚了几百万美元。

 

原文地址:http://blog.sina.com.cn/s/blog_6589586a0100ipgw.html

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