古典与唯美——西蒙基金会收藏雕塑、绘画展

06
威廉•亨利•莱因哈特(1825-1874)
《沉睡的儿童》
1859-1869年
大理石
37 x 94.5 x 49 cm

美国雕塑家威廉•亨利•莱因哈特以其新古典主义的风格而著称——这在他那些具有时代感的作品中表现得尤为明显，他显然也颇为自得，将其本人作为自己专著中介绍的第一位雕塑家列出。莱因哈特同时活跃在美国和意大利两地，美国的订单多来自巴尔的摩的居民委托以及政府进行的公共建筑装饰工程。1859年莱因哈特用雕刻装饰了西森孩子们的墓地，西森是他在巴尔的摩的朋友和客户。因为当时弗朗西斯•钱特里（Francis Chantrey）成功地为罗宾逊的姐姐的孩子修建了墓碑（位于现在的李奇菲尔德教堂），也由于利迪娅•西歌尼（Lydia Sigourney）的一首“不是死亡，而是熟睡”诗歌的流行，莱因哈特怀着他们能从死亡中一起苏醒过来的美好愿望，创作了表现两个相拥入眠的孩子形象的雕像。这座石雕置于孩子们在巴尔的摩的绿山公墓中的墓地之上。石雕栩栩如生的形象及莱因哈特娴熟的雕刻技艺，都为他带来很高的声誉，后来他本人又做了25个同样的石雕。一种说法是莱因哈特在朋友孩子午睡的时候画了草图，还有一说是他用了画家朋友的素描稿做参考。他的构图与钱特里（Chantrey）的非常相像。由于婴儿夭折的情况在那个时代相当普遍，为孩子建造墓碑的行为很流行。然而雕像中的孩子们睡得那么的甜美和安详，使人们赞叹、欣赏乃至忘却了为怀念逝者所创作的初衷。

07
阿尔弗雷德•布歇(1850-1934)
《沃吕比里斯》
大理石
66 x 42.8 x 30 cm

阿尔弗雷德•布歇因为作品中所表现的现实主义而受到批评家的赞赏。然而，除了如《挖掘者》这样社会性的主题和《冲向目标》这类表现出艺术家技术上能力的作品，他也创作了一系列诗意的、与自然和神话相关的佳作：如《沃吕比里斯》这类表现大理石中出现的女性躯干的雕塑，它有一系列不同的名字和变种的作品，如《田野》、《戴安（Diane）头像》等。艺术家神奇的双手使粗糙的底部材质和抛光的女性身体之间的对比十分卓越，似乎这个女性是从材料中显露出来的。然而，这种“未完成”的方式让当时的批评家颇为困扰，认为这种与大理石直接的对比削弱了人物的柔和与高雅。作品有可能是受到了意大利雕塑的影响——也许就是米开朗琪罗一系列的奴隶作品。在同一种材料上表现出不同质感的表达影响了布歇的朋友奥古斯特•罗丹和学生卡米耶•克洛代尔，他们把这种语言深化，赋予了雕塑新的表达和意义。

08
奥古斯特•罗丹
(1840-1917)
《永恒之春》
1884年
青铜
40 x 50.3 x 29.8 cm

奥古斯特•罗丹的知名度在很大程度上归功于其创作的雕塑作品系列《地狱之门》。这一作品包含了丰富的内容和复杂的雕塑手法，艺术家在进行创作时对每一个部位都精雕细琢，用他独特的方式进行创作并由此而衍生出无穷的变幻之感。《地狱之门》系列雕塑中的人物并非处于同一场景中，每一个人物都仿佛置身于各自奇幻而又不可捉摸的空间内，罗丹在创作中为每一个人物赋予了独特的美学语言。
《永恒的春天》（L’éternel printemps）是这组雕塑中的其中一件，先后经过了数次修改并有不同的名称：起初这件作品的名字叫做《吻》，其后所采用的名字还包括《泽弗洛斯与大地》及《青春或理想》，直至作品最后修改成型，才最终采用了《永恒的春天》这一名字。罗丹还根据所用材料的特质对此作的不同版本进行了改进，以使得雕塑的支撑部位足以承受整个雕塑的重量。在最初的版本中，男子的腿悬于空中，但在制作大理石及青铜材质的版本时，艺术家在男子的身后增加了岩石的雕塑作为支撑，从而使得整件作品更加稳定。由于罗丹开始享受此类作品所带来的巨大成功，巴伯迪耶纳冶炼厂与罗丹签署了一份合同以减少《永恒的春天》以及《吻》这些雕塑中青铜的用量。在增加了岩石支撑后，制作第二版《永恒的春天》时，冶炼厂一共制作了230座雕塑以满足公众的需求。

09
卡米耶•克洛代尔(1864-1943)
《华尔兹舞曲》
1895年
青铜
46.5 x 35 x 20 cm

这件作品无疑是卡米耶•克洛代尔（Camille Claudel）最著名的作品之一。在这件作品中，一对情侣正在起舞，他们的身体慵懒地交织在一起：艺术家用斜侧面的角度很好地捕捉了舞者的姿态。
克洛代尔从1889年起就开始对《华尔兹舞曲》（La valse）（或被称为《舞者》）这一主题进行创作，艺术家经过深入研究为这一雕塑创造了不同的版本。各版本之间的差别几乎微不可辨，但却能为观看者带来不同的个人感受。在这一作品的最初版本中，这对情侣未着寸缕，在炽热的拥抱中起舞。克洛代尔认为只有石质的材料才能充分地表现这一作品的魅力，希望制作它的大理石雕塑版本。雕塑家为此向法国政府寻求资助，但作品中赤裸的肉体表达了明显的感官享受主题，使其在寻求政府资助时遇到了障碍。尽管由美术部派来的检查人员也承认了艺术家的技术素养，但还是因舞者赤裸而紧贴的身体感到吃惊；由于这一雕塑充满明显的情欲意味，并且这一作品出自一位女艺术家之手，检查员向克洛代尔建议为雕塑穿衣蔽体。尽管罗丹也写信呼吁，表示不赞成美术部的决定，但最终的结果还是克洛代尔被迫退让。随后，尽管政府的资助程序顺利完成，可克劳代尔从未收到过资助的大理石块——显然，美术部的负责人亨利•若昂（Henry Roujon）对这一项目并不完全赞同。《华尔兹舞曲》于1893年在巴黎沙龙首次展出，评论家肯定了这一作品，在这一雕塑中克洛代尔让这对情侣不受重力的限制，捕捉住了他们的运动及失衡的形体。从象征意义的层面来看，作品表达了两个相爱灵魂的结合超越了物质的世界。

10
埃德加•德加(1834-1917)
《观察足部的舞者》
1919-1921
青铜
47.4 x 23.6 x 22 cm

埃德加•德加主要因其油画、色粉画和版画著称，不过他作为雕塑家的所创作的作品也很突出。除了1881年在印象派展览中展出的十分著名且引发争议的《十四岁的小舞者》，德加其他的雕塑作品都在1917年艺术家过世之后才被世人知晓：当时杜兰德-吕埃尔（Durand-Ruel）和安布鲁瓦兹•沃拉尔（Ambroise Vollard）在德加的工作室整理作品，发现了大约150件蜡制的和陶土的雕塑。这次发现之后，74件小塑像被保护下来并得以修复；而仅仅两年之后，1919至1921年间这些小塑像中就有72件就被阿德里安•埃布拉尔（Adrien Hébrard）根据传统的失蜡法浇筑为青铜。同时，有几次展览展出了这些作品，以强调德加所感兴趣的主题，探究他用以进行艺术表达的材料与方法。
德加常常捕捉女性和动物的姿势、动态和神情，1861年他拜访了友人瓦尔平松（Valpinçon）在诺曼底的家，开始对马特别关注。另外，舞蹈演员也是德加非常重要的主题，他在工作室里或者舞台的不同位置和情境下捕捉她们的姿态，比如这件《观察足部的舞者》。众所周知，德加在雕塑材料的使用方面是自学的，他用这种艺术形式仅仅是为了观察实验，从未有兴趣公开展出。然而，一直持续地描绘人类的身体，加上对于日本版画、摄影、插图和平面设计的知识，让他得以构想出十分引人注目的作品——比如这些舞蹈中的不同姿态——从而让观众获得了一种全新的视角。所有这些作品都呈现出空间中瞬间的、片段似的、自发的人体形态。不要忘了，同时代的皮埃尔•奥古斯特•雷诺阿认为德加是当时最伟大的雕塑家之一，而奥古斯特•罗丹则认为其雕塑优越自己的作品。